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Arca: El Productor de Música Electrónica que Está Cambiando la Música Popular

Como uno de los artistas y productores electrónicos venezolanos más famosos en la industria de la música actual, la composición y el dominio musical de Arca han penetrado profundamente en el eco de la música electrónica. Pero su influencia ha repercutido a través de la música electrónica tan profundamente como las que están por debajo de sus ritmos.

Nacido como Alejandro Ghersi, Arca comenzó su carrera actuando en pequeños espacios de arte en su ciudad natal de Caracas, atrayendo la atención del público mientras actuaba con trajes subversivos como tacones altos.

Desde entonces, Arca ha establecido su genio creativo colaborando con artistas como Kanye West, FKA Twigs y Frank Ocean. Hoy en día, es uno de los productores electrónicos y talentos artísticos más buscados en la industria. Pero él está poniendo su propia marca en la cultura popular:

Arca encuentra su propio ritmo

El impacto de Arca en la música popular se solidifica en los calambres de un espíritu de la época que se está volviendo más educado, inclusivo y, en muchos aspectos, filosófico. Sus producciones vanguardistas y esfuerzos de colaboración representan muchas de estas características. Combinando ritmos de proto hip-hop con sintes de sonido espeluznante y fallas electrónicas frenéticas, Arca ha ganado un seguimiento tipo culto.

Durante años, el artista creó rumores con varios sencillos lanzados a través de UNO NYC. Pero fue después del lanzamiento de su mixtape &&&&& que ganó una popularidad notable. Sus dos primeros álbumes, títulos Zen y Mutan, contenían aspectos de sexualidad, género y sentido de pertenencia, cuales fueron inspirados por su búsqueda de autoconciencia y comprensión. Es precisamente este misterioso e impredecible arte temático y estético lo que ha ayudado a definir lo atractivo de la música de Arca.

Evolucionando un nuevo paisaje sonoro

A medida de que la música popular ha buscado abrazar la música electrónica y de alto ritmo, se ha convertido fácilmente en un tema común en los anzuelos y estribillos de cantantes y compositores famosos. Mientras los estilos comunes se utilizan con frecuencia, la experimentación ayuda a cambiar el paisaje sonoro en géneros o formas que nos ayudan a explorar nuestro ser interior y el mundo que nos rodea. A menudo, nos ayuda a entender o simplemente reaccionar a presiones sociales o políticas. La música de Arca ha ayudado a artistas famosos como FKA Twigs, Bjork y Kanye West a superar las barreras de lo que se puede expresar en la música popular, ayudando a iluminar los sonidos extraños, provocadoras e inductores del pensamiento que ayudan a crear formas más elevadas de arte popular. Hoy, él es uno de los productores que está remodelando el “hiphop” industrial y el pop vanguardista, mientras también une y reinventa la forma en que la música electrónica se puede utilizar en las formas populares de la música.

Estos sonidos nuevos y distintivos están ayudando a dar paso a expresiones artísticas idiosincrásicas, pero únicas y novedosas, a la vez que se basan en temas estilosos de la música popular.

Con la influencia de Arca, él ha ayudado a crear inspiraciones más atmosféricas, emocionantes y culturalmente relevantes para los géneros musicales electrónicos y populares. Una de las razones por las que Arca es mi productor y músico electrónico favorito es porque combina una variedad de sonidos que se basan en la música electrónica para producir un mensaje significativo que florece en el núcleo expresivo del oyente. Aunque muchos productores de la vanguardia y artistas populares han combinado sonidos industriales, ambientales y de vanguardia con su música del pasado y el presente, Arca es quien ha ayudado a la comunidad electrónica a comprender los límites de lo que es verdaderamente posible en el centro cerebral de una expresión cultural elevada como lo es música popular.

Artistas Electrónicos Ecuatorianos

Los artistas de música electrónica están ayudando a revitalizar la escena musical y la música popular de hoy. En Ecuador, hay numerosos artistas de música electrónica que han liderado el camino para ayudar a la industria electrónica a combinar temas inspirados por la cultura latina con géneros experimentales para centrarse en un enfoque más inclusivo y dinámico.

Los artistas ecuatorianos están ayudando a fomentar una escena musical más cerebral a través de Sudamérica de maneras interesantes. Aquí hay algunos artistas electrónicos ecuatorianos para ver:

Nicola Cruz

Nicola Cruz juega un papel importante en el giro naturalista de sonidos autóctonos con ritmos atmosféricos en su música. Oriundo de Quito, la música de Cruz refleja los rituales religiosos tradicionales de Ecuador, la instrumentación nativa y los ritmos nativos y los espacios naturales con sonidos exóticos que indican la jungla amazónica y los Andes – su tierra natal. Cruz lanzó su primer álbum, Prender el Alma, en grabaciones ZZK que mostraban ritmos tradicionales y ritmos entrelazados con sonidos electrónicos majestuosos y modernos. Cruz ha llamado a su música Andes Step, aunque no quiere crear otro subgénero, porque categorizar la música sería burlarse de la era moderna. Afirma que simplemente encuentra inspiración creativa de los ritmos tradicionales y a partir de ahí agrega capas con características electrónicas al sonido, lo que crea una experiencia profunda y espiritual para los oyentes. La música de Cruz es una gran introducción a la música electrónica sudamericana, pero específicamente al mundo que ha dado forma a la creatividad de Nicola Cruz.

Sir David

Nacido en Guayaquil, la música de Sir David se forma a partir de la intersección entre breakbeat, IDM, ambiente y otros sonidos y patrones comúnmente escuchados en los juegos de video de anime. Comenzando su carrera musical como bajista en la banda llamada Bejin de Kabuto, David dijo que su música es una invención de sonidos que define espacios y tiempos precisos desde una perspectiva de 2000 años hacia el futuro. Él dice que su creación quizás nunca sea el futuro exacto representado en un juego de video, pero la música ayuda al oyente a convertirse en un personaje sin vidas adicionales, luchando en batallas para experimentar nuevas aventuras. La música de Sir David es mucho más que un juego, es un laberinto filosófico y teórico para que la mente cree y disfrute el viaje.

Quixosis

Quixosis, nacido en los Andes, cuyo verdadero nombre es Daniel Lofredo Rota, desarrolló su creatividad en los pueblos y montañas cerca de Quito. A medida que crecía, también pasó tiempo viviendo en California. El artista ecuatoriano pasó sus años más jóvenes aprendiendo viola y progresó lentamente a guitarras y teclados hasta finalmente encontró un lugar para su arte en la escena analógico-electrónica. Quixosis dice que intenta capturar sensaciones y combinarlas para una experimentación eufórica de sonido, energía y movimiento. Como artista, está interesado en la creatividad en bruto. Sus grabaciones se realizan utilizando únicamente máquinas analógicas y cintas magnéticas. Entre estos sonidos modernos, intercala sonidos de la cultura local de los Andes. Sin embargo, para Quixosis, su música no tiene etiqueta; podría llamarse “synth-folk” o retro-futurismo andino, pero inculca a los oyentes un sentido de misterio antiguo, sensaciones tangibles y la capacidad de sentir emociones genuinas y un paisaje de sonidos primordiales y etéricos.

Andre Salmon

Originario de Guayaquil, Andre Salmon es un artista que crea una fusión para los sentidos. El artista es fundador de dos casas disqueras diferentes, Maniacs, que produce de todo, desde “indie-rock” hasta “deep house”, y Anima Somnis, que se centra en el “dub techno” mezclado con texturas mínimas. Admirado como un genio musical que realmente puede conquistar cualquier género electrónico, las producciones de Salmon van desde piezas “pop-house” dignas de un club hasta temas ambientales abstractos. Dependiendo del ambiente de la habitación cada noche, al DJ y al productor le gusta tocar una mezcla de techno, “micro house” o sonidos techno para producir una sensación duradera de liberación. Busque su catálogo en SoundCloud.

Siempre hay mucho talento emergente en los diversos países de América Latina, y Ecuador es un influyente significante de la persuasión ritualista, el carácter nativo y el rendimiento futurista mezclado con la tenencia apasionante de los sonidos abstractos. ¡Espero que disfrutes escuchando a estos artistas!

Se Espera que el Visor de Realidad Virtual VRhythm del DJ Enrique Cadena Marín Transporte a los Fans de la EDM en un Viaje Envolvente

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MONTEVIDEO, Uruguay, 20 de noviembre de 2017 /PRNewswire-HISPANIC PR WIRE/ — La realidad virtual puede ser una herramienta que nos ayuda a entrar en nuevos mundos, pero pronto podría ayudarnos también a seguir un ritmo. VRhythm, unos auriculares de realidad virtual destinados a los amantes de la música que actualmente están en etapa de desarrollo, pueden reformular de manera permanente el modo en que los artistas y sus públicos escuchan, visualizan y se relacionan con la EDM (música electrónica de baile) y las artes escénicas.VRhythm se propone ofrecer a los usuarios arte y experiencias virtuales envolventes para mejorar las listas de reproducción y las actuaciones en vivo de EDM tanto en casa como en eventos públicos. Un modelo liviano permitirá a los fans sumergirse en entornos visuales y videos musicales tales como listas de reproducción de EDM.

Un nuevo invento como el Oculus Rift de Google, los auriculares de realidad virtual tendrán características tales como una pantalla liviana con visión de 100 grados, espacialización de audio 3D de calidad y adaptador DVI opcional para computadoras portátiles.

A mediados de 2015, el DJ Enrique Cadena Marín concibió la idea mientras creaba imágenes para sets de DJ. Para sumergir a los fans en una atmósfera eufórica y al mismo tiempo escapista, decidió innovar con mezclas y ritmos Tero Dancehall de tipo trance. En asociación con Jorge Brewer y Marc Duran, desarrolladores de software e ingenieros de tecnología, el DJ ECM espera poder ayudar al público a sentirse totalmente abrazado por su música.

“El género que creé, el Tero Dancehall, se configuró en torno a la idea de un despertar espiritual envolvente para mis oyentes. El VRhythm es un componente artístico surgido de esta necesidad de permitir filosóficamente a mis fans experimentar la EDM en un elemento visual totalmente diferente”. Cadena Marín agrega: “Espero que ayude a los fans a sentirse más vivos escuchando mi música o la de cualquier otro artista de EDM”.

Si las etapas de prueba se cumplen según lo programado, el lanzamiento de la innovación en los Estados Unidos está previsto para comienzos del otoño de 2018. El mercado de la realidad virtual está creciendo de manera firme, especialmente en los nichos de juegos y entretenimiento. PwC estima que la realidad virtual será uno de los segmentos de más rápido crecimiento en entretenimiento y medios, con un valor proyectado de US$ 5,000 millones para 2021.

Los creadores mantienen silencio respecto de otros detalles de los nuevos auriculares VRhythm. Sin embargo, su desarrollo constituye un progreso emocionante para el DJ Enrique Cadena Marín, que espera que la innovación ayude a crear una red de fans más amplia y pueda ayudar a dar nuevo sentido tanto a la representación como al arte de la EDM, y a seguir desarrollando la comunidad.

FUENTE Enrique Cadena Marin

SOURCE Enrique Cadena Marin

PR Newswire

Artistas Sudamericanos que Influyen en La Música del “Trap”

En los últimos años, la música del “trap” se ha producido y se ha escuchado cada vez más con más popularidad en la música popular y latinoamericana. Originario de Atlanta, el género fue creado en la paranoia egocéntrica del comercio de drogas del sur. Esta música ansiosa del “trap” se hizo más popular cuando los DJs de EDM, como Diplo, Bauuer y Flosstradamus crearon ritmos-808 y ritmos rápidos y vertiginosos.

Para los artistas que crearon el género, la música del “trap” trata sobre el ajetreo. En América Latina, los DJ entendieron que el género de sonidos violentos y distorsionados resonaría bien en los ambientes políticos y sociales de su país. Algunos artistas del “trap” están trascendiendo el género para atraer a las multitudes de la ciudad o para ser pioneros en nuevos ritmos. Aquí hay algunos músicos influyentes del “trap” para agregar a su catálogo de EDM:

Lay

Aunque ella no describe su música como un género en particular, la música de Lay irradia con un ritmo optimista con influencias desde el “dancehall” hasta el “punk”. La música del “trap” es un género que Sao Paulo ha adoptado activamente y Lay se ha centrado en mezclar el género en su música. Como artista emergente, Lay escribió poemas feministas y, después de ser alentada por un amigo, puso música a sus letras. Después de un primer sencillo exitoso, conoció al productor Leo Grijo y juntos crearon su primer EP, 129129. Con música anti-autoritaria y optimista, este es un álbum que combina el “trap” (aparente en pistas como “Tandera” y “Ressalva”), “funk caricoa” y “ragga”. Sus letras son a veces violentas, pero se mezclan con un ritmo optimista inspirado en “dancehall” jamaiquino y en personalidades grandes como artistas de hip hop Foxy Brown, Lil ‘Kim y Lady Saw. Exhibiendo la feminidad como armadura en su arte, Lay estiliza su estética y música de manera suntuosa y significativa.

VFRO —  Venezuela

El creador dinámico de Valencia, Venezuela, Aroldo Contreras, se enfoca más en los creadores de ritmos de EDM que en la inspiración exterior. Su música “trap” utiliza sonidos de alta energía, que incluyen salsa, y hasta ritmos de clubes de Nueva Jersey o Baltimore. El remix de “Yela Yela Yela” es un drama decadente que sirve de trasfondo para los bailarines multiétnicos del video musical. VFRO ha sido una gran influencia en la escena creciente de la música electrónica. Contreras incluso ha colaborado con la vocalista popular Alissa Marie y Deborah Blues de Puerto Rico. VFRO comenzó tocando la guitarra y evolucionó dentro del circuito de DJ con el artista venezolano Subdata antes de las producciones de EDM, lo cual es difícil en un país que tiene poco acceso a equipo. Pero en la música de VFRO puedes ver las influencias globales que han transpirado en la influencia de la música del “trap”. En lugar de una postura filosófica de “montar o morir” en sus canciones, VFRO establece muestras 808 y perfiles de audio para un componente más discreto de sus producciones. Su música puede abarcar el circuito global porque atrae a una comunidad mundial de Internet, especialmente con sus características futuristas caribeñas.

Rhicharda —  Bolivia

Originaria de La Paz, la música del “trap” casi no existía en la escena musical local cuando Richarda, también conocida como Rhina Vargas Ríos, comenzó a crear su música. Su primer set como DJ rindió homenaje a los sonidos del “trap”, uno de los primeros en hacerlo en su ciudad natal. Como el miembro más nuevo de Oi Mas Bass, ella fue capaz de ayudar a establecer el género en el circuito de clubes locales. Probando el género por primera vez en Subtropical, la pista de baile de cumbia digital del colectivo, Rhicharda se sintió atraída por la inherente naturaleza tabú del género. Ella ha explicado que es muy oscuro y crea una gran cantidad de energía y flujo en la habitación, por lo que parece que está prohibido. Ella es una de los pocos DJs en el área, incluyendo DJ Ark y Black $unday, que crea canciones de “trap” en sus sets. Actualmente, su pasión es combinar el “trap” con otras formas de música de baile que son populares en su ciudad. Después de ser introducida al “trap” con sonidos tropicales, ella está ayudando a hacer crecer la escena del “trap” en Bolivia. ¡Búscala en Soundcloud!

Siempre hay artistas que están ayudando a desarrollar varias formas diferentes de la música de EDM. Como resultado, obtenemos información sobre los diferentes sentimientos, creencias y patrones de la condición humana, especialmente cuando se enmarca desde un punto de vista específico del músico y su país. Vuelve pronto para ver otra publicación sobre artistas de “trap” en la escena de EDM de América Latina.

Cómo la Música de Baile Argentina se Hizo Global

La música de baile argentina es una forma de arte propia. Esta música de baile ha ayudado a capturar algunos de los ritmos (y movimientos) más viscerales y expresivos de América del Sur.

Pero la música de baile argentina, que ayudó a producir danzas de tango y salsa, también se ha convertido en una adición popular a muchas culturas internacionales. ¿Cómo la música de baile argentina se hizo tan popular, impactando culturas profundamente a través de todo el mundo?

Los orígenes del tango Argentino

La música de tango se desarrolló por primera vez en los burdeles argentinos hace más de un siglo atrás. El tango original combinó una mezcla de influencias globales desde tradiciones africanas, europeas hasta indígenas. El tango original también incluyó influencias de Payada, el estilo milonga de la pampa argentina y uruguaya, junto con el candombe uruguayo. Los sonidos del tango se mezclan entre los instrumentos andinos tradicionales como el charango y el bombo leguero, y hoy en día también cuentan con muestras electrónicas como la música de reggaetón y cumbia.

Desde 1866, el tango fue descrito como un estilo de música/baile en los periódicos argentinos. A fines de la década del 1870, los ritmos del tango-candombe llamados “El Merenguengue” se volvieron especialmente populares después de aparecer en los carnavales agroargentinos. La música se tocó con arpas, violines y una flauta con tambores Candombe. Este movimiento se convirtió en una parte crucial del desarrollo de la música de tango.

El primer grupo de tango estuvo compuesto por dos músicos afroargentinos, Casimiro Alcorta en violín y Sinforoso en clarinete desde principios de la década del 1860 hasta principios de la década del 1890. Ellos crearon el tango “Concha sucia” y se les atribuye la creación de muchos otros tangos anónimos de este primer periodo.

La popularidad del tango

En los años entre el 1920 y el 1930, la música de tango comenzó a ganar popularidad internacionalmente. En países europeos como Francia y Estados Unidos, la superestrella del tango, Carlos Gardel, fue reverenciada como símbolo sexual y ayudó a introducir la música a nuevas audiencias a través del baile en la película. Él ayudó a crear el “tango-canción” y la transición de una música de “gangster” de clase baja a un estilo de música y baile más respetable de la clase media. Ya para la década del 1920, el tango se había mudado de los burdeles y se había vuelto más respetable ahora que las masas lo aceptaban. Famosos directores de orquesta como Roberto Firpo y Francisco Canaro reemplazaron la flauta con un sonido de contrabajo y los movimientos de baile seguían siendo sensuales para la época.

La época dorada del tango

La época de oro del tango vio la fundación de varios movimientos dentro del género. Desde el 1935 hasta el 1952, muchas bandas grandes dentro de los Estados Unidos presentaron música de tango con más de una docena de artistas. Orquestas influyentes como Mariano Mores, Juan d’Arienzo (apodado King of the Beat) y Francisco Canaro fueron importantes contribuidores al género. D’Arienzo era conocido por su ritmo constante en muchas de sus grabaciones. La música de Canaro era más lenta y fácil de bailar y se hizo popular en las milongas (danzas de tango).

En esta época, otras bandas tocaron exuberantes y grandiosas piezas de orquesta con énfasis en las cuerdas y el piano sobre el bandoneón. Buenos ejemplos de esto se pueden escuchar en “Bahía Blanca” y “A la gran muñeca” de Carlos di Sarli. Las grabaciones de Osvaldo Pugliese fueron similares a otras orquestas de baile, pero él creó grabaciones decadentes y complejas con sonidos discordantes.

El tango trascendió los límites de América Latina y fue adoptado en bandas europeas con nuevos géneros, como Tango Nuevo y NeoTango –  formados a lo largo de las décadas. Hoy en día, los instrumentos no tradicionales como el acordeón, el ukelele, el órgano eléctrico, el saxofón y otros instrumentos, junto con letras en otros idiomas, se agregan a menudo a las composiciones de tango. Junto con otras danzas populares como el foxtrot y la rumba en los años 1940 y 1950, el baile se convirtió en una actividad doméstica que expresaba una sensualidad sofisticada. A pesar de que el tango popular de hoy se ha diversificado de sus raíces argentinas y ha adquirido más sonidos europeos, América Latina puede enorgullecerse en presentar una forma de música tangible y apasionada para que el mundo la aprecie.

La Canción”Sandstorm” de Darude Cambió la Escena de EDM

La música electrónica de baile (EDM) no siempre fue una faceta de la música popular. Pero con sus sonidos de bajo oscilantes, pistas de arranque y sintetizadores de “pad”, el género se hizo cada vez más popular a partir de finales del siglo XX.

Muchos artistas han ayudado a establecer la escena musical como una influencia masiva en la música popular de hoy. Como uno de los artistas de trance más prolíficos que el mundo jamás ha conocido, el DJ finlandés Darude ayudó a introducir la escena de la música electrónica de baile en la narrativa de la música popular, cambiando para siempre la escena musical tal y como la conocemos hoy. Con el éxito de Darude, “Sandstorm”, la música electrónica de baile comenzó a obtener popularidad, solidificándola como una influencia importante dentro de la música popular.

La popularidad del sencillo “Sandstorm”

El sencillo fue lanzado en el álbum de debut de Darude titulado “Antes de la tormenta”. El sencillo fue lanzado originalmente en Finlandia en octubre de 1999 por “16 Inch Records” y re-editado en varios países internacionales en el año 2000. Después de que fue cargado para descargar vía MP3, logró el reconocimiento mundial.

El sencillo de trance rápidamente se hizo popular en las estaciones de radio populares y alcanzó el número uno en Noruega. Eventualmente, el sencillo fue presentado en más de 200 registros de compilación y las ventas alcanzaron más de 2 millones en todo el mundo.

La influencia duradera de Darude

El sencillo sigue siendo un nombre familiar. Diez años después de su lanzamiento, el sencillo logró la meta certificada el 1ero de marzo de 2010, con más de 500 mil copias vendidas en los Estados Unidos, de acuerdo con la “Recording Industry Association of America”.

Hoy en día, el sencillo “Sandstorm” es popularmente utilizado en deportes y en juegos del Internet y dentro de la cultura meme. De hecho, el meme de “Darude-Sandstorm” logró ser tan popular entre las redes sociales que incluso ayudó a poner el sencillo de nuevo en las listas de la mejor música de baile. Aunque tiene más de 15 años de edad, el sencillo tiene longevidad debido a su ritmo clásico y original de alta energía. Incluso, se grabó hasta un “cover” orquestal de la canción.

La opinión de Darude

En una entrevista, Darude mencionó que el impacto del sencillo en la música popular ha sido beneficioso para los aficionados a la música de baile porque cuanto más se expone el género, más acceso tienen y más formas creativas de expresión se desarrollan. Mencionó que el EDM sí puede actuar como puerta de entrada para otros artistas y oyentes. Él dice que esto es grande para los productores, los dueños del club y los consumidores.

Aunque Darude dice que el acceso a Internet puede mejorar la calidad de producción de la música de EDM, el hecho de que casi cualquier persona puede hacer su propia música electrónica quiere decir que a veces la calidad y el contenido de la música puede disminuir

Sin embargo, “Sandstorm” ayudó a crear un género que puede salvar la brecha entre el atractivo comercial con vocales populares y de alta energía y ritmos melódicos. Hoy en día, la canción ha ayudado despegar la música de EDM a un estilo creíble e influyente en la industria de la música y es frecuentemente añadida o muestreada en éxitos populares. Gracias a la influencia de Darude, tenemos más acceso a ritmos animados y libertad de expresión.