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Enrique Cadena Marin’s Blog 2017-07-28T16:33:46+00:00

DJ Enrique Cadena Marin’s Blog

1409, 2018

Por qué el éxito bilingüe, “Despacito”, se hizo tan popular en los Estados Unidos

El éxito del verano pasado, “Despacito”, no fue sólo una canción más de las cien canciones del Hot Billboard. No tuvo precedentes al convertirse en la primera canción mayormente en español que logró entrar en la posición número uno desde la canción clásica de Los Del Río, “La Macarena” en el año 1996 y 1997. Según Influencer’s Marketing Hub, fue el video musical más visto en YouTube en el año 2017 con más de 5.4 mil millones de visitas.

Mientras Justin Bieber y Daddy Yankee pueden ofrecer versos en inglés a lo largo de la brillante epopeya musical, la canción es principalmente en español, pero también se puede identificar como un híbrido de lo que llamamos “spanglish”, mezclando palabras y modismos del español e inglés vernáculo. Sin embargo, ¿cómo un remix de reggaetón en “spanglish” llegó a ser tan exitoso?

Todo lo que Justin Bieber toca se convierte en oro, pero antes de que JB se involucrara con el sencillo, el éxito ya estaba encabezando las listas en Argentina, Colombia, Chile, México, España, Alemania y Francia. Bieber solicitó volver a mezclar la canción después de escucharla en un club nocturno colombiano. JB agregó un verso al principio, cantó a lo largo de la canción, y toma las riendas de Luis Fonsi cuando canta la palabra del título despacito via un a cappella lento y constante.

Sin embargo, la canción es más que simplemente pegadiza. Justin Bieber obviamente trajo un nivel de atención sin precedentes a la remezcla, cual en realidad no difiere de la canción original. Al presentar la canción a un público más amplio, ayudó que dispara a nuevas alturas en los Estados Unidos. Pero, ¿cuál fue el atractivo que llevó a las personas a conectarse con una canción que no se cantaba mayormente en inglés?

El éxito de “Despacito”, en esencia, ha capturado el espíritu de nuestros actuales problemas políticos y económicos, o nuestra voluntad de escapar de ellos. Cuando todo en el mundo parece ser una mezcla de fuego y azufre, “Despacito” fue nuestro escape para sobrevivir en el caos. Escuche la canción una vez y básicamente nos transporta a un paraíso tropical, hormigueando nuestros centros de placer mientras imaginamos un entorno de playa donde el amor corre desenfrenado. En un mundo donde las presiones capitalistas y económicas privan a la gente de alegría, canciones como “Despacito” ayudan a las personas a liberar su estrés. Los tempos optimistas pueden ser incluso hasta más poderosos que una de las películas o actuaciones más ásperas ya que dicha canción inspira poder y a la vez es accesible. La música es una forma de arte que nos permite liberar nuestros miedos y escapar a un mundo en el que no tenemos que tomarnos a nosotros mismos, ni a los demás, con tanta seriedad. El progreso exige celebración, pero el estancamiento también exige la liberación. Es por eso que en una época como esta oscura, el arte puede florecer de manera visceral. La música “dance”, como “Despacito” y EDM, se convierte en una medida perfecta para informar nuestra reflexión y liberación de estos tiempos difíciles y encontrar un camino para abrazar el cambio en forma de ritmos diferentes, sin importar de dónde vienen — algo que el mundo puede verdaderamente emular en este momento. Gracias a “Despacito”, el ritmo de reggaetón ha llegado a un público aún más amplio que necesita este tipo de música para respirar, regocijarse y relajarse como una forma de placer y autocuidado.

409, 2018

5 proyectos de música experimental de Chile para ver

La escena musical sudamericana generalmente evoca pensamientos de ritmos tropicales y folclóricos. Pero como sucede con cualquier nación diversa, usted descubrirá que los estereotipos que tiene sobre las escenas musicales de cada país son mucho más expansivos, profundos y experimentales de lo que originalmente pensó. De hecho, muchas escenas musicales sudamericanas han adoptado maravillosamente la mezcla de sonidos tradicionales junto con medios y producciones más vanguardistas.

Hoy, la red cibernética hace más fácil encontrar música experimental y subterránea de artistas y colectivos en diferentes países. De hecho, muchos artistas pueden crear una red mundial de colaboradores desde Pueblo Nuevo a Michita Rex, quienes catalogan tantas creaciones experimentales en géneros como dub, hip hop y EDM. Es genial ver cómo los artistas y colectivos están produciendo y persiguiendo la música en diferentes países del mundo. Al consultar algunas listas de servicios de transmisión y listas de reproducción, he encontrado algunos proyectos de música experimental intrigantes que los fanáticos de la música experimental y EDM pueden encontrar intrigantes. Chile en particular tiene algunos proyectos inspiradores que pueden dirigir a cualquiera a una nueva evolución de inspiración musical.

Aquí hay cinco proyectos chilenos de música experimental para ver:

El Sueño De La Casa Propia

El proyecto musical, creado por José Manuel Cerda, es uno de los nombres más conocidos en el “underground” chileno. Los medios de comunicación como MTV Iggy, Noisey y Remezcla han mostrado su homenaje por los ritmos del proyecto y los paisajes exóticos y ultraterrestres pintados por el enfoque vanguardista. La eficacia no comercial ha permitido que el proyecto sea lo suficientemente único como para que Cerda incluso haya podido participar en festivales más grandes como el NRML de México y las versiones chilenas de Mutek y Lollapalooza.

Lluvia Ácida

Proveniente de Punta Arenas, Lluvia Ácida puede describirse como una banda muy austral. Establecidos por Héctor Aguilar (también conocido como Polar) y Rafael Cheuquelaf, los dos producen grabaciones de la Antártida y superponen sus canciones con voces indígenas prehispánicas y muestras no convencionales. Aunque experimentales, estos marcadores naturales y culturales dentro de su música crean una visión meditativa de las fronteras accesibles del arte chileno. También puedes ver sus colaboraciones y remixes con DJ Raff, Fakuta y Gepe.

Polystation

Los Discos Cetaceos se han convertido en una marca respetada en Chile. Con los lanzamientos de TFried, The Mugris y Nabucodonosor, Concepción ha aprendido a latir al ritmo de su propio tambor experimental. El intérprete de rock chileno, Pablo Aguilera, ha cautivado a la ciudad con su mezcla de canciones retro y chillwave que rápidamente se aprovechan las apropiaciones del pop. Para nuestro placer, sus huellas están empapadas con referencias de los años 80 y sintetizadores etéreos que nos transportan a un paisaje retroactivo con matices de nuestro mundo moderno.

Quim Font

Jugando con diferentes ritmos acústicos y fusionándolos en sus producciones de computadora de fidelidad baja a medida que avanzaba, el conocido artista Joaquín Contreras abandona el canto y los “riffs” de guitarra que lo convirtieron en un nombre familiar para convertirse en el líder del experimento punk Marcel Duchamp. Quim Font combina influencias folclóricas con atmósferas ambientales para crear un ambiente meditativo y profundamente transportable que seguramente creará una sensación de calma desafiante en la locura política de hoy en día.

Gozne

Originario de Valparaíso y conectado con la productora Epa Sonidos de la ciudad icónica, el proyecto musical Gozne incorpora elementos industriales y analógicos en sus canciones para crear un paisaje sónico-diverso pero futurista. Ya sea que exponga a los oyentes a los sonidos latinos en su lanzamiento de Botika u ofrezca una pista más teñida con ácido o techno, Gozne solidifica constantemente una estética intelectual y estimulante para sus contribuciones.

Con sus inspiradores temas y exuberantes progresiones, estos proyectos musicales no se pueden perder. Tendré una lista de proyectos de música más experimentales para ver en Chile en el futuro. ¡Pendientes!

2808, 2018

Los sonidos electrónicos “underground” de Montevideo, Uruguay

En lo profundo de las calles de la capital uruguaya, la escena de la música electrónica ha creado un clima de baile único. Los clubes nocturnos como Phonotheque  (cual los locales llaman Phono) han ayudado a establecer un atmósfera de “dance hall” con un techno oscuro, “tech house”, “minimal” y “electro”, creada por DJs que hasta hace poco eran desconocidos fuera de Uruguay. Profundamente calificados, incluso más que muchos de sus contemporáneos en el extranjero, artistas como Emilio, Kino y Z@p han salido triunfantes en este desierto de alta velocidad. De hecho, estos y otros artistas han ayudado a crear el sonido “underground” de Montevideo en Phono.

DJ Edu Koolt es uno de los dioses de la escena “underground”. Muchos participantes de clubes nocturnos dicen que han cambiado sus vidas y le hacen tributos de tatuajes. Un curador veterano que ha viajado a Europa en numerosas ocasiones, Koolt sigue siendo principalmente desconocido allí. Sin embargo, Koolt, junto con su amigo DJ Christian Bonanata y DJ Detected, fundó Phonotheque, que ahora es administrado únicamente por Bonanata. Obsesionados con el vinilo, los DJ se centran en tocar los “sets” de DJ de vinilo con cajas de discos incorporadas y luces portátiles. Creando un éxito con poco equipo, el espacio estrecho y pequeño ofrece un entorno despejado, pero de transporte.

Inaugurado en 2013, Phono es más como un espacio de ritual, donde los teléfonos son silenciosos y los visitantes se encuentran en un estado de trance de música continua, con ritmos perfectamente marcados y una atmósfera experimental. En el club, los invitados no escucharán “house” o “disco”. Sino serán bienvenidos por la naturaleza eufórica del techno despojado, ritmos rotos momentáneos y ritmos electro con insinuaciones de principios de la tecnología house. Es el espacio seguro para aquellos con una pasión por la música electrónica para desatar y experimentar con sus propias mentes y cuerpos. El club nocturno fue el primero de su clase en ofrecer una atmósfera diferente en comparación con cualquier otro club de música normal, cual a menudo está lleno de chácharas y móviles inteligentes por todas partes.

Kino, uno de los residentes, dijo que hablar y tomar fotos contrarresta el propósito de Phonotechque, ya que los visitantes están allí para sentir algo transformativo y cerebral. Sin embargo, entrar al club es como un crescendo de géneros y ruido. La pista de baile comienza constante y pacífica. Las melodías de “electro vintage” acentúan los ritmos techno, pero los DJs se mantienen suave, sin prisa y listos para hacer que la experiencia valga la pena. Normalmente hay solo tres DJs por noche con configuraciones que comienzan alrededor de la medianoche y duran hasta las 10 de la mañana.

Mientras los artistas residentes realizan mezclas excepcionales y tangibles, fusionadas con el soul y el jazz de Chicago o con el rap o el tribal de sudamericano o el punk rock, lo que hace que este club sea famoso no son sólo los ritmos, sino también la comunidad y el árduo trabajo que los artistas residentes dedican a transportar al público a través de los ámbitos de la fusión musical.

En mis publicaciones posteriores, hablaré más sobre la escena musical uruguaya que me ha ayudado a desarrollarme como artista. Las escenas artísticas “underground” siempre están evolucionando, así que a medida que la música de Montevideo está creando una ola de resonancia con los demás, es emocionante ver cómo puede inspirar y desarrollar otras escenas “underground” dentro y fuera de Uruguay.

901, 2018

Arca: El Productor de Música Electrónica que Está Cambiando la Música Popular

Como uno de los artistas y productores electrónicos venezolanos más famosos en la industria de la música actual, la composición y el dominio musical de Arca han penetrado profundamente en el eco de la música electrónica. Pero su influencia ha repercutido a través de la música electrónica tan profundamente como las que están por debajo de sus ritmos.

Nacido como Alejandro Ghersi, Arca comenzó su carrera actuando en pequeños espacios de arte en su ciudad natal de Caracas, atrayendo la atención del público mientras actuaba con trajes subversivos como tacones altos.

Desde entonces, Arca ha establecido su genio creativo colaborando con artistas como Kanye West, FKA Twigs y Frank Ocean. Hoy en día, es uno de los productores electrónicos y talentos artísticos más buscados en la industria. Pero él está poniendo su propia marca en la cultura popular:

Arca encuentra su propio ritmo

El impacto de Arca en la música popular se solidifica en los calambres de un espíritu de la época que se está volviendo más educado, inclusivo y, en muchos aspectos, filosófico. Sus producciones vanguardistas y esfuerzos de colaboración representan muchas de estas características. Combinando ritmos de proto hip-hop con sintes de sonido espeluznante y fallas electrónicas frenéticas, Arca ha ganado un seguimiento tipo culto.

Durante años, el artista creó rumores con varios sencillos lanzados a través de UNO NYC. Pero fue después del lanzamiento de su mixtape &&&&& que ganó una popularidad notable. Sus dos primeros álbumes, títulos Zen y Mutan, contenían aspectos de sexualidad, género y sentido de pertenencia, cuales fueron inspirados por su búsqueda de autoconciencia y comprensión. Es precisamente este misterioso e impredecible arte temático y estético lo que ha ayudado a definir lo atractivo de la música de Arca.

Evolucionando un nuevo paisaje sonoro

A medida de que la música popular ha buscado abrazar la música electrónica y de alto ritmo, se ha convertido fácilmente en un tema común en los anzuelos y estribillos de cantantes y compositores famosos. Mientras los estilos comunes se utilizan con frecuencia, la experimentación ayuda a cambiar el paisaje sonoro en géneros o formas que nos ayudan a explorar nuestro ser interior y el mundo que nos rodea. A menudo, nos ayuda a entender o simplemente reaccionar a presiones sociales o políticas. La música de Arca ha ayudado a artistas famosos como FKA Twigs, Bjork y Kanye West a superar las barreras de lo que se puede expresar en la música popular, ayudando a iluminar los sonidos extraños, provocadoras e inductores del pensamiento que ayudan a crear formas más elevadas de arte popular. Hoy, él es uno de los productores que está remodelando el “hiphop” industrial y el pop vanguardista, mientras también une y reinventa la forma en que la música electrónica se puede utilizar en las formas populares de la música.

Estos sonidos nuevos y distintivos están ayudando a dar paso a expresiones artísticas idiosincrásicas, pero únicas y novedosas, a la vez que se basan en temas estilosos de la música popular.

Con la influencia de Arca, él ha ayudado a crear inspiraciones más atmosféricas, emocionantes y culturalmente relevantes para los géneros musicales electrónicos y populares. Una de las razones por las que Arca es mi productor y músico electrónico favorito es porque combina una variedad de sonidos que se basan en la música electrónica para producir un mensaje significativo que florece en el núcleo expresivo del oyente. Aunque muchos productores de la vanguardia y artistas populares han combinado sonidos industriales, ambientales y de vanguardia con su música del pasado y el presente, Arca es quien ha ayudado a la comunidad electrónica a comprender los límites de lo que es verdaderamente posible en el centro cerebral de una expresión cultural elevada como lo es música popular.

512, 2017

Artistas Electrónicos Ecuatorianos

Los artistas de música electrónica están ayudando a revitalizar la escena musical y la música popular de hoy. En Ecuador, hay numerosos artistas de música electrónica que han liderado el camino para ayudar a la industria electrónica a combinar temas inspirados por la cultura latina con géneros experimentales para centrarse en un enfoque más inclusivo y dinámico.

Los artistas ecuatorianos están ayudando a fomentar una escena musical más cerebral a través de Sudamérica de maneras interesantes. Aquí hay algunos artistas electrónicos ecuatorianos para ver:

Nicola Cruz

Nicola Cruz juega un papel importante en el giro naturalista de sonidos autóctonos con ritmos atmosféricos en su música. Oriundo de Quito, la música de Cruz refleja los rituales religiosos tradicionales de Ecuador, la instrumentación nativa y los ritmos nativos y los espacios naturales con sonidos exóticos que indican la jungla amazónica y los Andes – su tierra natal. Cruz lanzó su primer álbum, Prender el Alma, en grabaciones ZZK que mostraban ritmos tradicionales y ritmos entrelazados con sonidos electrónicos majestuosos y modernos. Cruz ha llamado a su música Andes Step, aunque no quiere crear otro subgénero, porque categorizar la música sería burlarse de la era moderna. Afirma que simplemente encuentra inspiración creativa de los ritmos tradicionales y a partir de ahí agrega capas con características electrónicas al sonido, lo que crea una experiencia profunda y espiritual para los oyentes. La música de Cruz es una gran introducción a la música electrónica sudamericana, pero específicamente al mundo que ha dado forma a la creatividad de Nicola Cruz.

Sir David

Nacido en Guayaquil, la música de Sir David se forma a partir de la intersección entre breakbeat, IDM, ambiente y otros sonidos y patrones comúnmente escuchados en los juegos de video de anime. Comenzando su carrera musical como bajista en la banda llamada Bejin de Kabuto, David dijo que su música es una invención de sonidos que define espacios y tiempos precisos desde una perspectiva de 2000 años hacia el futuro. Él dice que su creación quizás nunca sea el futuro exacto representado en un juego de video, pero la música ayuda al oyente a convertirse en un personaje sin vidas adicionales, luchando en batallas para experimentar nuevas aventuras. La música de Sir David es mucho más que un juego, es un laberinto filosófico y teórico para que la mente cree y disfrute el viaje.

Quixosis

Quixosis, nacido en los Andes, cuyo verdadero nombre es Daniel Lofredo Rota, desarrolló su creatividad en los pueblos y montañas cerca de Quito. A medida que crecía, también pasó tiempo viviendo en California. El artista ecuatoriano pasó sus años más jóvenes aprendiendo viola y progresó lentamente a guitarras y teclados hasta finalmente encontró un lugar para su arte en la escena analógico-electrónica. Quixosis dice que intenta capturar sensaciones y combinarlas para una experimentación eufórica de sonido, energía y movimiento. Como artista, está interesado en la creatividad en bruto. Sus grabaciones se realizan utilizando únicamente máquinas analógicas y cintas magnéticas. Entre estos sonidos modernos, intercala sonidos de la cultura local de los Andes. Sin embargo, para Quixosis, su música no tiene etiqueta; podría llamarse “synth-folk” o retro-futurismo andino, pero inculca a los oyentes un sentido de misterio antiguo, sensaciones tangibles y la capacidad de sentir emociones genuinas y un paisaje de sonidos primordiales y etéricos.

Andre Salmon

Originario de Guayaquil, Andre Salmon es un artista que crea una fusión para los sentidos. El artista es fundador de dos casas disqueras diferentes, Maniacs, que produce de todo, desde “indie-rock” hasta “deep house”, y Anima Somnis, que se centra en el “dub techno” mezclado con texturas mínimas. Admirado como un genio musical que realmente puede conquistar cualquier género electrónico, las producciones de Salmon van desde piezas “pop-house” dignas de un club hasta temas ambientales abstractos. Dependiendo del ambiente de la habitación cada noche, al DJ y al productor le gusta tocar una mezcla de techno, “micro house” o sonidos techno para producir una sensación duradera de liberación. Busque su catálogo en SoundCloud.

Siempre hay mucho talento emergente en los diversos países de América Latina, y Ecuador es un influyente significante de la persuasión ritualista, el carácter nativo y el rendimiento futurista mezclado con la tenencia apasionante de los sonidos abstractos. ¡Espero que disfrutes escuchando a estos artistas!

2111, 2017

Se Espera que el Visor de Realidad Virtual VRhythm del DJ Enrique Cadena Marín Transporte a los Fans de la EDM en un Viaje Envolvente

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MONTEVIDEO, Uruguay, 20 de noviembre de 2017 /PRNewswire-HISPANIC PR WIRE/ — La realidad virtual puede ser una herramienta que nos ayuda a entrar en nuevos mundos, pero pronto podría ayudarnos también a seguir un ritmo. VRhythm, unos auriculares de realidad virtual destinados a los amantes de la música que actualmente están en etapa de desarrollo, pueden reformular de manera permanente el modo en que los artistas y sus públicos escuchan, visualizan y se relacionan con la EDM (música electrónica de baile) y las artes escénicas.VRhythm se propone ofrecer a los usuarios arte y experiencias virtuales envolventes para mejorar las listas de reproducción y las actuaciones en vivo de EDM tanto en casa como en eventos públicos. Un modelo liviano permitirá a los fans sumergirse en entornos visuales y videos musicales tales como listas de reproducción de EDM.

Un nuevo invento como el Oculus Rift de Google, los auriculares de realidad virtual tendrán características tales como una pantalla liviana con visión de 100 grados, espacialización de audio 3D de calidad y adaptador DVI opcional para computadoras portátiles.

A mediados de 2015, el DJ Enrique Cadena Marín concibió la idea mientras creaba imágenes para sets de DJ. Para sumergir a los fans en una atmósfera eufórica y al mismo tiempo escapista, decidió innovar con mezclas y ritmos Tero Dancehall de tipo trance. En asociación con Jorge Brewer y Marc Duran, desarrolladores de software e ingenieros de tecnología, el DJ ECM espera poder ayudar al público a sentirse totalmente abrazado por su música.

“El género que creé, el Tero Dancehall, se configuró en torno a la idea de un despertar espiritual envolvente para mis oyentes. El VRhythm es un componente artístico surgido de esta necesidad de permitir filosóficamente a mis fans experimentar la EDM en un elemento visual totalmente diferente”. Cadena Marín agrega: “Espero que ayude a los fans a sentirse más vivos escuchando mi música o la de cualquier otro artista de EDM”.

Si las etapas de prueba se cumplen según lo programado, el lanzamiento de la innovación en los Estados Unidos está previsto para comienzos del otoño de 2018. El mercado de la realidad virtual está creciendo de manera firme, especialmente en los nichos de juegos y entretenimiento. PwC estima que la realidad virtual será uno de los segmentos de más rápido crecimiento en entretenimiento y medios, con un valor proyectado de US$ 5,000 millones para 2021.

Los creadores mantienen silencio respecto de otros detalles de los nuevos auriculares VRhythm. Sin embargo, su desarrollo constituye un progreso emocionante para el DJ Enrique Cadena Marín, que espera que la innovación ayude a crear una red de fans más amplia y pueda ayudar a dar nuevo sentido tanto a la representación como al arte de la EDM, y a seguir desarrollando la comunidad.

FUENTE Enrique Cadena Marin

SOURCE Enrique Cadena Marin

PR Newswire