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Enrique Cadena Marin’s Blog 2017-07-28T16:33:46+00:00

DJ Enrique Cadena Marin’s Blog

1611, 2017

Artistas Sudamericanos que Influyen en La Música del “Trap”

En los últimos años, la música del “trap” se ha producido y se ha escuchado cada vez más con más popularidad en la música popular y latinoamericana. Originario de Atlanta, el género fue creado en la paranoia egocéntrica del comercio de drogas del sur. Esta música ansiosa del “trap” se hizo más popular cuando los DJs de EDM, como Diplo, Bauuer y Flosstradamus crearon ritmos-808 y ritmos rápidos y vertiginosos.

Para los artistas que crearon el género, la música del “trap” trata sobre el ajetreo. En América Latina, los DJ entendieron que el género de sonidos violentos y distorsionados resonaría bien en los ambientes políticos y sociales de su país. Algunos artistas del “trap” están trascendiendo el género para atraer a las multitudes de la ciudad o para ser pioneros en nuevos ritmos. Aquí hay algunos músicos influyentes del “trap” para agregar a su catálogo de EDM:

Lay

Aunque ella no describe su música como un género en particular, la música de Lay irradia con un ritmo optimista con influencias desde el “dancehall” hasta el “punk”. La música del “trap” es un género que Sao Paulo ha adoptado activamente y Lay se ha centrado en mezclar el género en su música. Como artista emergente, Lay escribió poemas feministas y, después de ser alentada por un amigo, puso música a sus letras. Después de un primer sencillo exitoso, conoció al productor Leo Grijo y juntos crearon su primer EP, 129129. Con música anti-autoritaria y optimista, este es un álbum que combina el “trap” (aparente en pistas como “Tandera” y “Ressalva”), “funk caricoa” y “ragga”. Sus letras son a veces violentas, pero se mezclan con un ritmo optimista inspirado en “dancehall” jamaiquino y en personalidades grandes como artistas de hip hop Foxy Brown, Lil ‘Kim y Lady Saw. Exhibiendo la feminidad como armadura en su arte, Lay estiliza su estética y música de manera suntuosa y significativa.

VFRO —  Venezuela

El creador dinámico de Valencia, Venezuela, Aroldo Contreras, se enfoca más en los creadores de ritmos de EDM que en la inspiración exterior. Su música “trap” utiliza sonidos de alta energía, que incluyen salsa, y hasta ritmos de clubes de Nueva Jersey o Baltimore. El remix de “Yela Yela Yela” es un drama decadente que sirve de trasfondo para los bailarines multiétnicos del video musical. VFRO ha sido una gran influencia en la escena creciente de la música electrónica. Contreras incluso ha colaborado con la vocalista popular Alissa Marie y Deborah Blues de Puerto Rico. VFRO comenzó tocando la guitarra y evolucionó dentro del circuito de DJ con el artista venezolano Subdata antes de las producciones de EDM, lo cual es difícil en un país que tiene poco acceso a equipo. Pero en la música de VFRO puedes ver las influencias globales que han transpirado en la influencia de la música del “trap”. En lugar de una postura filosófica de “montar o morir” en sus canciones, VFRO establece muestras 808 y perfiles de audio para un componente más discreto de sus producciones. Su música puede abarcar el circuito global porque atrae a una comunidad mundial de Internet, especialmente con sus características futuristas caribeñas.

Rhicharda —  Bolivia

Originaria de La Paz, la música del “trap” casi no existía en la escena musical local cuando Richarda, también conocida como Rhina Vargas Ríos, comenzó a crear su música. Su primer set como DJ rindió homenaje a los sonidos del “trap”, uno de los primeros en hacerlo en su ciudad natal. Como el miembro más nuevo de Oi Mas Bass, ella fue capaz de ayudar a establecer el género en el circuito de clubes locales. Probando el género por primera vez en Subtropical, la pista de baile de cumbia digital del colectivo, Rhicharda se sintió atraída por la inherente naturaleza tabú del género. Ella ha explicado que es muy oscuro y crea una gran cantidad de energía y flujo en la habitación, por lo que parece que está prohibido. Ella es una de los pocos DJs en el área, incluyendo DJ Ark y Black $unday, que crea canciones de “trap” en sus sets. Actualmente, su pasión es combinar el “trap” con otras formas de música de baile que son populares en su ciudad. Después de ser introducida al “trap” con sonidos tropicales, ella está ayudando a hacer crecer la escena del “trap” en Bolivia. ¡Búscala en Soundcloud!

Siempre hay artistas que están ayudando a desarrollar varias formas diferentes de la música de EDM. Como resultado, obtenemos información sobre los diferentes sentimientos, creencias y patrones de la condición humana, especialmente cuando se enmarca desde un punto de vista específico del músico y su país. Vuelve pronto para ver otra publicación sobre artistas de “trap” en la escena de EDM de América Latina.

1311, 2017

Cómo la Música de Baile Argentina se Hizo Global

La música de baile argentina es una forma de arte propia. Esta música de baile ha ayudado a capturar algunos de los ritmos (y movimientos) más viscerales y expresivos de América del Sur.

Pero la música de baile argentina, que ayudó a producir danzas de tango y salsa, también se ha convertido en una adición popular a muchas culturas internacionales. ¿Cómo la música de baile argentina se hizo tan popular, impactando culturas profundamente a través de todo el mundo?

Los orígenes del tango Argentino

La música de tango se desarrolló por primera vez en los burdeles argentinos hace más de un siglo atrás. El tango original combinó una mezcla de influencias globales desde tradiciones africanas, europeas hasta indígenas. El tango original también incluyó influencias de Payada, el estilo milonga de la pampa argentina y uruguaya, junto con el candombe uruguayo. Los sonidos del tango se mezclan entre los instrumentos andinos tradicionales como el charango y el bombo leguero, y hoy en día también cuentan con muestras electrónicas como la música de reggaetón y cumbia.

Desde 1866, el tango fue descrito como un estilo de música/baile en los periódicos argentinos. A fines de la década del 1870, los ritmos del tango-candombe llamados “El Merenguengue” se volvieron especialmente populares después de aparecer en los carnavales agroargentinos. La música se tocó con arpas, violines y una flauta con tambores Candombe. Este movimiento se convirtió en una parte crucial del desarrollo de la música de tango.

El primer grupo de tango estuvo compuesto por dos músicos afroargentinos, Casimiro Alcorta en violín y Sinforoso en clarinete desde principios de la década del 1860 hasta principios de la década del 1890. Ellos crearon el tango “Concha sucia” y se les atribuye la creación de muchos otros tangos anónimos de este primer periodo.

La popularidad del tango

En los años entre el 1920 y el 1930, la música de tango comenzó a ganar popularidad internacionalmente. En países europeos como Francia y Estados Unidos, la superestrella del tango, Carlos Gardel, fue reverenciada como símbolo sexual y ayudó a introducir la música a nuevas audiencias a través del baile en la película. Él ayudó a crear el “tango-canción” y la transición de una música de “gangster” de clase baja a un estilo de música y baile más respetable de la clase media. Ya para la década del 1920, el tango se había mudado de los burdeles y se había vuelto más respetable ahora que las masas lo aceptaban. Famosos directores de orquesta como Roberto Firpo y Francisco Canaro reemplazaron la flauta con un sonido de contrabajo y los movimientos de baile seguían siendo sensuales para la época.

La época dorada del tango

La época de oro del tango vio la fundación de varios movimientos dentro del género. Desde el 1935 hasta el 1952, muchas bandas grandes dentro de los Estados Unidos presentaron música de tango con más de una docena de artistas. Orquestas influyentes como Mariano Mores, Juan d’Arienzo (apodado King of the Beat) y Francisco Canaro fueron importantes contribuidores al género. D’Arienzo era conocido por su ritmo constante en muchas de sus grabaciones. La música de Canaro era más lenta y fácil de bailar y se hizo popular en las milongas (danzas de tango).

En esta época, otras bandas tocaron exuberantes y grandiosas piezas de orquesta con énfasis en las cuerdas y el piano sobre el bandoneón. Buenos ejemplos de esto se pueden escuchar en “Bahía Blanca” y “A la gran muñeca” de Carlos di Sarli. Las grabaciones de Osvaldo Pugliese fueron similares a otras orquestas de baile, pero él creó grabaciones decadentes y complejas con sonidos discordantes.

El tango trascendió los límites de América Latina y fue adoptado en bandas europeas con nuevos géneros, como Tango Nuevo y NeoTango –  formados a lo largo de las décadas. Hoy en día, los instrumentos no tradicionales como el acordeón, el ukelele, el órgano eléctrico, el saxofón y otros instrumentos, junto con letras en otros idiomas, se agregan a menudo a las composiciones de tango. Junto con otras danzas populares como el foxtrot y la rumba en los años 1940 y 1950, el baile se convirtió en una actividad doméstica que expresaba una sensualidad sofisticada. A pesar de que el tango popular de hoy se ha diversificado de sus raíces argentinas y ha adquirido más sonidos europeos, América Latina puede enorgullecerse en presentar una forma de música tangible y apasionada para que el mundo la aprecie.

1010, 2017

La Canción”Sandstorm” de Darude Cambió la Escena de EDM

La música electrónica de baile (EDM) no siempre fue una faceta de la música popular. Pero con sus sonidos de bajo oscilantes, pistas de arranque y sintetizadores de “pad”, el género se hizo cada vez más popular a partir de finales del siglo XX.

Muchos artistas han ayudado a establecer la escena musical como una influencia masiva en la música popular de hoy. Como uno de los artistas de trance más prolíficos que el mundo jamás ha conocido, el DJ finlandés Darude ayudó a introducir la escena de la música electrónica de baile en la narrativa de la música popular, cambiando para siempre la escena musical tal y como la conocemos hoy. Con el éxito de Darude, “Sandstorm”, la música electrónica de baile comenzó a obtener popularidad, solidificándola como una influencia importante dentro de la música popular.

La popularidad del sencillo “Sandstorm”

El sencillo fue lanzado en el álbum de debut de Darude titulado “Antes de la tormenta”. El sencillo fue lanzado originalmente en Finlandia en octubre de 1999 por “16 Inch Records” y re-editado en varios países internacionales en el año 2000. Después de que fue cargado para descargar vía MP3, logró el reconocimiento mundial.

El sencillo de trance rápidamente se hizo popular en las estaciones de radio populares y alcanzó el número uno en Noruega. Eventualmente, el sencillo fue presentado en más de 200 registros de compilación y las ventas alcanzaron más de 2 millones en todo el mundo.

La influencia duradera de Darude

El sencillo sigue siendo un nombre familiar. Diez años después de su lanzamiento, el sencillo logró la meta certificada el 1ero de marzo de 2010, con más de 500 mil copias vendidas en los Estados Unidos, de acuerdo con la “Recording Industry Association of America”.

Hoy en día, el sencillo “Sandstorm” es popularmente utilizado en deportes y en juegos del Internet y dentro de la cultura meme. De hecho, el meme de “Darude-Sandstorm” logró ser tan popular entre las redes sociales que incluso ayudó a poner el sencillo de nuevo en las listas de la mejor música de baile. Aunque tiene más de 15 años de edad, el sencillo tiene longevidad debido a su ritmo clásico y original de alta energía. Incluso, se grabó hasta un “cover” orquestal de la canción.

La opinión de Darude

En una entrevista, Darude mencionó que el impacto del sencillo en la música popular ha sido beneficioso para los aficionados a la música de baile porque cuanto más se expone el género, más acceso tienen y más formas creativas de expresión se desarrollan. Mencionó que el EDM sí puede actuar como puerta de entrada para otros artistas y oyentes. Él dice que esto es grande para los productores, los dueños del club y los consumidores.

Aunque Darude dice que el acceso a Internet puede mejorar la calidad de producción de la música de EDM, el hecho de que casi cualquier persona puede hacer su propia música electrónica quiere decir que a veces la calidad y el contenido de la música puede disminuir

Sin embargo, “Sandstorm” ayudó a crear un género que puede salvar la brecha entre el atractivo comercial con vocales populares y de alta energía y ritmos melódicos. Hoy en día, la canción ha ayudado despegar la música de EDM a un estilo creíble e influyente en la industria de la música y es frecuentemente añadida o muestreada en éxitos populares. Gracias a la influencia de Darude, tenemos más acceso a ritmos animados y libertad de expresión.

2209, 2017

Cómo Alfredo Zitarrosa y Los Olimareños Ayudaron a Fortalecer la Identidad Musical del Uruguay

Uruguay es un país rico en cultura musical y siempre ha mantenido una identidad que une ritmos antiguos y principios folclóricos. Con una mezcla ecléctica de estilos musicales, los músicos de la nación han sido influenciados por sus propias tradiciones populares y sonidos de todo el mundo incluyendo el “bass nova”, el rock y el jazz.

En los años sesenta y setenta, músicos como Los Olimareños y Alfredo Zitarrosa ayudaron a fortalecer la identidad musical uruguaya con un atractivo universal. También inspiraron a muchos artistas contemporáneos y ayudaron a establecer el ritmo de los músicos uruguayos, ayudando a atraer a una audiencia internacional más amplia.

Echemos un vistazo a los artistas influyentes de Uruguay y cómo estos ayudaron a fortalecer la identidad musical uruguaya:

Alfredo Zitarrosa

Considerado como uno de los cantautores más influyentes de América Latina, Zitarrosa se inspiró en géneros uruguayos y argentinos como la milonga y la zamba. En Uruguay, se convirtió en una figura principal en el movimiento de la nueva canción que renovó los estilos tradicionales de música folk latinoamericana. Visitando el campo de Trinidad en su niñez, se inspiró en ritmos y canciones con orígenes campesinos como la milonga. Su trabajo ayudó a revivir la popularidad y el interés en los estilos folclóricos. Desde el comienzo de su carrera, fue conocido como una de las voces más grandes de la música popular latinoamericana con raíces folclóricas. También es conocido por sus letras de política izquierdista. Creando un estilo varonil caracterizado por su voz gruesa y guitarras tradicionales, le dio a la música uruguaya un encanto y visibilidad que pasó a la fama internacional.

Entre sus grandes éxitos se encuentran las canciones “Doña Soledad”, “Crece desde el Pie”, “Zamba por Vos”, “Violín de Becho” y “Adagio a mi país”.

Los Olimareños

Formado en 1962 por Pepe Guerra y Braulio López, el grupo es uno de los más exitosos actos musicales uruguayos de todos los tiempos. Ganaron popularidad al mismo tiempo que Alfredo Zitarrosa, cantando canciones populares uruguayas con influencias folclóricas. De hecho, se inspiraron en instrumentos tradicionales y estilos musicales como el tango, la zamba, el candombe, la milonga y la murga. Sus letras, escritas principalmente por Víctor Lim y Rubén Lena, reflejaban temas locales y destacaban el espíritu del tiempo y las preocupaciones de la gente común y la vida cotidiana en las zonas rurales. Sus letras ayudaron a capturar la agitación social y la represión política en ese momento. Ambos Zitarrosa y Los Olmareños fueron capaces de combinar la música tradicional con la cultura contemporánea para formar una música popular que reverberó en todo el mundo.

Artistas Subsiguientes y Contemporáneos

Durante los años ochenta y noventa, artistas como Rubén Rada, Eduardo Mateo y Jaime Roos siguieron formando un movimiento musical. Artistas como Matteo jugaron papeles cruciales en el desarrollo de la música popular uruguaya moderna que incorpora ritmos locales, jazz, candombe, “beat” y “bass nova”. Después de una dictadura de once años, la música rock y otras formas alternativas fueron capaces de evolucionar al mismo tiempo que se usaban ritmos e instrumentos tradicionales.

Hoy, artistas del rock alternativo, el folk, el jazz representan la vasta escena cultural uruguaya. Artistas como Rossana Taddei, Daniel Drexler y Ana Prada representan a Uruguay e incluso se han presentado en festivales como SXSW en Austin, Texas.

Ana Prada comenzó su carrera en 1994 y ha colaborado con artistas famosos como Jorge Drexler e innumerables otros de Uruguay, Argentina y Cuba. Su música es influenciada por ritmos folclóricos, pero añade su marca en ella con ritmos alternativos y letras apasionadas o incluso humorísticas. Taddei combina jazz, rock y ritmos uruguayos para crear un sonido profundo. Ha realizado más de una docena de discos. Además, Daniel Drexler es un artista pop que está fuertemente influenciado por los estilos musicales del Río de la Plata incluyendo candombe, murga y milonga. Su hermano, Jorge Drexler, es uno de los cantantes uruguayos más famosos y es más conocido en América por haber ganado un Oscar por la canción “Al Otro Lado del Río” de la película “The Motorcycle Diaries”.

La música y las letras que inspiraron y que caracterizaron la música uruguaya, tal como la conocemos hoy, capturaron los sonidos del pasado más distante y la política y cultura del cambio social en los años sesenta. Hoy en día, la integración del patrimonio cultural y la justicia social juega un papel importante en la expresión musical Uruguaya.

1209, 2017

Cómo Influyen Los Instrumentos Favoritos de Uruguay en su Escena Musical

Los instrumentos y la cultura nativa de Uruguay caracterizan su escena musical como una de las más provocativas y espirituales de América Latina. La variedad de instrumentos que componen su sonido folclórico invoca una sensación de ritmos naturales que pueden ser generosamente emparejados con ritmos y temas electrónicos. Muchos instrumentos tradicionales están hechos de materiales naturales como la madera de árboles o conchas marinas que le dan una presencia atmosférica y antigua.

Exploremos algunos de los instrumentos nativos más populares que han influenciado la escena musical uruguaya:

Tambores de candombe

Los tambores de madera curveados son una adición significativa a los sonidos de la música popular uruguaya. Los tambores de candombe, también conocidos como tamboriles, son tambores en forma de barril con bases estrechas que vienen en tres tamaños, incluyendo: piano (rango de bajo), un repique (rango de tenor) y un chico (rango alto). También hay tambores muy grandes llamados bajo o bombo que tienen timbres bajos y se tocan con acentos en el cuarto golpe, aunque ahora la práctica no es tan prominente. Los tambores han ayudado a dar forma al ritmo y a la actividad comunal de la música popular uruguaya. Las cuerdas de tambores, compuestas desde tres hasta 100 percusionistas, se crean comúnmente con filas de cinco o siete tambores para mezclar diferentes tipos de percusión.

Oopoochawa

También llamado el quisanche, este instrumento es una variedad de mbira o “lamellaphone” que es popular en la capital de Uruguay, Montevideo, así como en La Plata, Argentina. Este instrumento puede crear notas específicas por las lengüetas metálicas que rodean su base de madera. A finales de la década de 1880, el instrumento fue llevado al continente por inmigrantes afro-argentinos y rápidamente se convirtió en una parte importante de la música folclórica de la región.

Yerbomatófono

Este instrumento musical informal proviene de culturas aborígenes cerca del Río de la Plata. En la década de 1960, el instrumento fue recreado por Carlos Irladi, un “luthier” de Buenos Aires. El yerbomatófono está hecho de guajes de yerba mate picados por la mitad. Al soplar, los sonidos son amplificados y distorsionados través de la apertura. El instrumento añade un efecto peculiar o místico a las canciones populares tradicionales.

Arco musical y la marimba

La cultura africana también influyó en la cultura uruguaya de muchas maneras. La marimba – originaria de Zimbabwe – cuenta con barras de madera que se golpean con mazos para crear tonos musicales. El arco musical, originario de numerosas culturas sudafricanas, ha ayudado a definir la escena musical. A través del resultado de la trata de esclavos, el instrumento se encuentra a través de muchos otros lugares en el mundo. El instrumento flexible, hecho de madera, se toca con las manos, con palillos o con las ramas de árboles. A menudo, un arco de tiro se puede utilizar para crear música. Algunos otros tipos de arcos son: el resonante de boca, el resonante de la tierra y el resonante con guajes, por nombrar algunos. Éstos ayudan a crear texturas terrenales y emocionales en la música.

La música uruguaya es una mezcla de influencias indígenas, africanas y europeas que han ayudado a crear una mezcla única. Los ritmos de la percusión ayudan a producir ritmos de la danza mientras que otros instrumentos de cuerda han fijado el paso para otros estilos diversos de sensación e interpretación en el arte y en muestras artísticas. Aunque muchos de estos estilos han cambiado con el tiempo, ha creado una cultura fuerte de auto-expresión, espiritualidad y libertad que ha ayudado a evolucionar la escena de la danza y la música uruguaya hoy en día.

2908, 2017

La Creación y Evolución de la Música “Dancehall”

El “dancehall”, también llamado bashment, es un género popular de música electrónica que se creó en Jamaica a finales de los años setenta. Originalmente, el género se caracterizó por una versión despojada de “roots style” reggae de que representaba la escena musical jamaicana de los años setenta.

A mediados de la década de los años ochenta, las influencias digitales con ritmos más rápidos ayudaron a transformar el “dancehall”. Este nuevo sonido, llamado “ragga” cada vez se hacía más rápido y se caracteriza en gran medida cómo escuchamos “dancehall” hoy día.

El género incluye elementos como el patois jamaiquino y se centra en influencias como pistas instrumentales llamadas “riddims”. En la década de los noventa, el “dancehall” encontró más popularidad en las comunidades de jamaiquinas basadas en otros países como los Estados Unidos. A la llegada de los años dos mil , el “dancehall” tuvo un éxito total en la música popular a nivel internacional. Ahora, el “dancehall” se incorpora a menudo en la producción de canciones populares. Este estilo no es muy cultivado en la música popular del occidente.

El desarrollo del “dancehall”

El nombre “dancehall” origina de los clubes de baile jamaiquinos donde la música era típicamente tocada. A partir de finales de la década del 1940, la gente de las ciudades de Kingston, Jamaica no se les permitía participar en las bailes de la parte norte de la ciudad. Los cambios políticos en Jamaica ayudaron a transferir la escena del baile local de música “reggae roots” internacional hacia un ritmo diseñado para más consumo que atraería a los jamaiquinos que ya habían sido parte los sistemas dinámicos de sonido en la escena del “dancehall”. La música cambió de letra con temas de justicia social, reparaciones y el movimiento Rastafari y comenzó a centrarse en letras de violencia, sexualidad y baile. Luego, los ritmos de los años sesenta fueron reciclados. Sugar Minott fue el pionero de la tendencia y escribió nuevas letras sobre ritmos pasados de Studio One durante las sesiones de grabación. Durante este periodo, artistas como Roots Radics trabajaron con Henry “Junjo” Lawes para crear algunas de las primeras grabaciones de “dancehall”, incluyendo música de grandes estrellas de reggae como Don Carlos, Barrington Levy y Frankie Paul.

“Dancehall” moderno

A mediados de la década de 1980, el grupo caribeño francés Kassav fue el primero en implementar la tecnología MIDI, llevando así la música caribeña a una plataforma digital. Para el 1985, Sleng Teng (Under Me) de Wayne Smith utilizó un gancho rítmico completamente digital y presentó un ritmo de un teclado de Casio MT-40 que revolucionó el género de reggae “dancehall”. Sin embargo, hubo otras producciones digitales como “Sensi Addict” producido por Prince Jazzbo en 1984. El nuevo ritmo se re-utilizó en más de 200 grabaciones posteriores y causó sensación con su canto sintetizado y acompañamiento musical. Nuevos artistas como Buccaneer, Capleton y Shabba Ranks se convirtieron en estrellas ragga en ascenso. Curiosamente, los DJs se centraron más en temas de violencia en su música, incluyendo Beenie Man, Bounty Killer, Mad Cobra y Buju Banton. Los sonidos más duros de DJ en este periodo de tiempo fueron mezclados con vocales dulces que ya habían evolucionado del “reggae roots” y del R&B con artistas como Cocoa Tea, Sanchez y Franke Paul.

“Dancehall” popular

A principios de los años 2000, el “dancehall” se entrelazó fuertemente con la música popular y creció en popularidad en Jamaica, los Estados Unidos y los mercados internacionales. Artistas como Sean Paul trajeron al “dancehall” a una posición número uno en los Billboard Hot 100 con el éxito “Get Busy” en 2003.

El “dancehall” popular es diferente a la música “dancehall” tradicional, ya que cuenta con material comúnmente utilizado en la música popular como coros repetidos, ganchos rítmicos y melodías populares. También ofrece letras menos sexualizadas. Beenie Man, Elephant Man, Vybz Kartel y un montón de otros artistas de “dancehall” recibieron el éxito internacional.

En los años 2010, una revitalización del “dancehall” en los mercados de Estados Unidos y Occidente vio una abundancia de sencillos de “dancehall-pop” como “Work” de Rihanna y “Controlla” y “One Dance” de Drake en el 2016.

“Dancehall” tero

But it also strives to make the unseen and mystical themes of culture from Uruguay and Latin America visible. But it also shows the importance of the self and the adaptable nature of humans in the context of our Latin roots and culture.

El “dancehall” me ha inspirado mucho en mi propio trabajo. He buscado crear un estilo que refleje mis intereses y mezcle ritmos e inspiraciones latinoamericanas. El género de “dancehall” tero que he creado representa estas características latinoamericanas, pero también incluye elementos de “swing” durante los coros. Combina una mezcla entre ritmos folclóricos y ritmos de salsa para crear un ritmo uruguayo único que yo espero que hable sobre la cultura y la música del país y el continente. Entre algunos de los temas y principios del “dancehall” popular, el “dancehall” tero para mí representa una forma de liberación. Pero también se esfuerza por hacer visibles los temas inéditos y místicos de la cultura de Uruguay y América Latina. Pero también muestra la importancia del ser propio y de la naturaleza adaptable de los seres humanos en el contexto de nuestras raíces y cultura latinas.

¡Espero que disfrutes de la música!