Loading...
Enrique Cadena Marin’s Blog 2017-07-28T16:33:46+00:00

DJ Enrique Cadena Marin’s Blog

2209, 2017

Cómo Alfredo Zitarrosa y Los Olimareños Ayudaron a Fortalecer la Identidad Musical del Uruguay

Uruguay es un país rico en cultura musical y siempre ha mantenido una identidad que une ritmos antiguos y principios folclóricos. Con una mezcla ecléctica de estilos musicales, los músicos de la nación han sido influenciados por sus propias tradiciones populares y sonidos de todo el mundo incluyendo el “bass nova”, el rock y el jazz.

En los años sesenta y setenta, músicos como Los Olimareños y Alfredo Zitarrosa ayudaron a fortalecer la identidad musical uruguaya con un atractivo universal. También inspiraron a muchos artistas contemporáneos y ayudaron a establecer el ritmo de los músicos uruguayos, ayudando a atraer a una audiencia internacional más amplia.

Echemos un vistazo a los artistas influyentes de Uruguay y cómo estos ayudaron a fortalecer la identidad musical uruguaya:

Alfredo Zitarrosa

Considerado como uno de los cantautores más influyentes de América Latina, Zitarrosa se inspiró en géneros uruguayos y argentinos como la milonga y la zamba. En Uruguay, se convirtió en una figura principal en el movimiento de la nueva canción que renovó los estilos tradicionales de música folk latinoamericana. Visitando el campo de Trinidad en su niñez, se inspiró en ritmos y canciones con orígenes campesinos como la milonga. Su trabajo ayudó a revivir la popularidad y el interés en los estilos folclóricos. Desde el comienzo de su carrera, fue conocido como una de las voces más grandes de la música popular latinoamericana con raíces folclóricas. También es conocido por sus letras de política izquierdista. Creando un estilo varonil caracterizado por su voz gruesa y guitarras tradicionales, le dio a la música uruguaya un encanto y visibilidad que pasó a la fama internacional.

Entre sus grandes éxitos se encuentran las canciones “Doña Soledad”, “Crece desde el Pie”, “Zamba por Vos”, “Violín de Becho” y “Adagio a mi país”.

Los Olimareños

Formado en 1962 por Pepe Guerra y Braulio López, el grupo es uno de los más exitosos actos musicales uruguayos de todos los tiempos. Ganaron popularidad al mismo tiempo que Alfredo Zitarrosa, cantando canciones populares uruguayas con influencias folclóricas. De hecho, se inspiraron en instrumentos tradicionales y estilos musicales como el tango, la zamba, el candombe, la milonga y la murga. Sus letras, escritas principalmente por Víctor Lim y Rubén Lena, reflejaban temas locales y destacaban el espíritu del tiempo y las preocupaciones de la gente común y la vida cotidiana en las zonas rurales. Sus letras ayudaron a capturar la agitación social y la represión política en ese momento. Ambos Zitarrosa y Los Olmareños fueron capaces de combinar la música tradicional con la cultura contemporánea para formar una música popular que reverberó en todo el mundo.

Artistas Subsiguientes y Contemporáneos

Durante los años ochenta y noventa, artistas como Rubén Rada, Eduardo Mateo y Jaime Roos siguieron formando un movimiento musical. Artistas como Matteo jugaron papeles cruciales en el desarrollo de la música popular uruguaya moderna que incorpora ritmos locales, jazz, candombe, “beat” y “bass nova”. Después de una dictadura de once años, la música rock y otras formas alternativas fueron capaces de evolucionar al mismo tiempo que se usaban ritmos e instrumentos tradicionales.

Hoy, artistas del rock alternativo, el folk, el jazz representan la vasta escena cultural uruguaya. Artistas como Rossana Taddei, Daniel Drexler y Ana Prada representan a Uruguay e incluso se han presentado en festivales como SXSW en Austin, Texas.

Ana Prada comenzó su carrera en 1994 y ha colaborado con artistas famosos como Jorge Drexler e innumerables otros de Uruguay, Argentina y Cuba. Su música es influenciada por ritmos folclóricos, pero añade su marca en ella con ritmos alternativos y letras apasionadas o incluso humorísticas. Taddei combina jazz, rock y ritmos uruguayos para crear un sonido profundo. Ha realizado más de una docena de discos. Además, Daniel Drexler es un artista pop que está fuertemente influenciado por los estilos musicales del Río de la Plata incluyendo candombe, murga y milonga. Su hermano, Jorge Drexler, es uno de los cantantes uruguayos más famosos y es más conocido en América por haber ganado un Oscar por la canción “Al Otro Lado del Río” de la película “The Motorcycle Diaries”.

La música y las letras que inspiraron y que caracterizaron la música uruguaya, tal como la conocemos hoy, capturaron los sonidos del pasado más distante y la política y cultura del cambio social en los años sesenta. Hoy en día, la integración del patrimonio cultural y la justicia social juega un papel importante en la expresión musical Uruguaya.

1209, 2017

Cómo Influyen Los Instrumentos Favoritos de Uruguay en su Escena Musical

Los instrumentos y la cultura nativa de Uruguay caracterizan su escena musical como una de las más provocativas y espirituales de América Latina. La variedad de instrumentos que componen su sonido folclórico invoca una sensación de ritmos naturales que pueden ser generosamente emparejados con ritmos y temas electrónicos. Muchos instrumentos tradicionales están hechos de materiales naturales como la madera de árboles o conchas marinas que le dan una presencia atmosférica y antigua.

Exploremos algunos de los instrumentos nativos más populares que han influenciado la escena musical uruguaya:

Tambores de candombe

Los tambores de madera curveados son una adición significativa a los sonidos de la música popular uruguaya. Los tambores de candombe, también conocidos como tamboriles, son tambores en forma de barril con bases estrechas que vienen en tres tamaños, incluyendo: piano (rango de bajo), un repique (rango de tenor) y un chico (rango alto). También hay tambores muy grandes llamados bajo o bombo que tienen timbres bajos y se tocan con acentos en el cuarto golpe, aunque ahora la práctica no es tan prominente. Los tambores han ayudado a dar forma al ritmo y a la actividad comunal de la música popular uruguaya. Las cuerdas de tambores, compuestas desde tres hasta 100 percusionistas, se crean comúnmente con filas de cinco o siete tambores para mezclar diferentes tipos de percusión.

Oopoochawa

También llamado el quisanche, este instrumento es una variedad de mbira o “lamellaphone” que es popular en la capital de Uruguay, Montevideo, así como en La Plata, Argentina. Este instrumento puede crear notas específicas por las lengüetas metálicas que rodean su base de madera. A finales de la década de 1880, el instrumento fue llevado al continente por inmigrantes afro-argentinos y rápidamente se convirtió en una parte importante de la música folclórica de la región.

Yerbomatófono

Este instrumento musical informal proviene de culturas aborígenes cerca del Río de la Plata. En la década de 1960, el instrumento fue recreado por Carlos Irladi, un “luthier” de Buenos Aires. El yerbomatófono está hecho de guajes de yerba mate picados por la mitad. Al soplar, los sonidos son amplificados y distorsionados través de la apertura. El instrumento añade un efecto peculiar o místico a las canciones populares tradicionales.

Arco musical y la marimba

La cultura africana también influyó en la cultura uruguaya de muchas maneras. La marimba – originaria de Zimbabwe – cuenta con barras de madera que se golpean con mazos para crear tonos musicales. El arco musical, originario de numerosas culturas sudafricanas, ha ayudado a definir la escena musical. A través del resultado de la trata de esclavos, el instrumento se encuentra a través de muchos otros lugares en el mundo. El instrumento flexible, hecho de madera, se toca con las manos, con palillos o con las ramas de árboles. A menudo, un arco de tiro se puede utilizar para crear música. Algunos otros tipos de arcos son: el resonante de boca, el resonante de la tierra y el resonante con guajes, por nombrar algunos. Éstos ayudan a crear texturas terrenales y emocionales en la música.

La música uruguaya es una mezcla de influencias indígenas, africanas y europeas que han ayudado a crear una mezcla única. Los ritmos de la percusión ayudan a producir ritmos de la danza mientras que otros instrumentos de cuerda han fijado el paso para otros estilos diversos de sensación e interpretación en el arte y en muestras artísticas. Aunque muchos de estos estilos han cambiado con el tiempo, ha creado una cultura fuerte de auto-expresión, espiritualidad y libertad que ha ayudado a evolucionar la escena de la danza y la música uruguaya hoy en día.

2908, 2017

La Creación y Evolución de la Música “Dancehall”

El “dancehall”, también llamado bashment, es un género popular de música electrónica que se creó en Jamaica a finales de los años setenta. Originalmente, el género se caracterizó por una versión despojada de “roots style” reggae de que representaba la escena musical jamaicana de los años setenta.

A mediados de la década de los años ochenta, las influencias digitales con ritmos más rápidos ayudaron a transformar el “dancehall”. Este nuevo sonido, llamado “ragga” cada vez se hacía más rápido y se caracteriza en gran medida cómo escuchamos “dancehall” hoy día.

El género incluye elementos como el patois jamaiquino y se centra en influencias como pistas instrumentales llamadas “riddims”. En la década de los noventa, el “dancehall” encontró más popularidad en las comunidades de jamaiquinas basadas en otros países como los Estados Unidos. A la llegada de los años dos mil , el “dancehall” tuvo un éxito total en la música popular a nivel internacional. Ahora, el “dancehall” se incorpora a menudo en la producción de canciones populares. Este estilo no es muy cultivado en la música popular del occidente.

El desarrollo del “dancehall”

El nombre “dancehall” origina de los clubes de baile jamaiquinos donde la música era típicamente tocada. A partir de finales de la década del 1940, la gente de las ciudades de Kingston, Jamaica no se les permitía participar en las bailes de la parte norte de la ciudad. Los cambios políticos en Jamaica ayudaron a transferir la escena del baile local de música “reggae roots” internacional hacia un ritmo diseñado para más consumo que atraería a los jamaiquinos que ya habían sido parte los sistemas dinámicos de sonido en la escena del “dancehall”. La música cambió de letra con temas de justicia social, reparaciones y el movimiento Rastafari y comenzó a centrarse en letras de violencia, sexualidad y baile. Luego, los ritmos de los años sesenta fueron reciclados. Sugar Minott fue el pionero de la tendencia y escribió nuevas letras sobre ritmos pasados de Studio One durante las sesiones de grabación. Durante este periodo, artistas como Roots Radics trabajaron con Henry “Junjo” Lawes para crear algunas de las primeras grabaciones de “dancehall”, incluyendo música de grandes estrellas de reggae como Don Carlos, Barrington Levy y Frankie Paul.

“Dancehall” moderno

A mediados de la década de 1980, el grupo caribeño francés Kassav fue el primero en implementar la tecnología MIDI, llevando así la música caribeña a una plataforma digital. Para el 1985, Sleng Teng (Under Me) de Wayne Smith utilizó un gancho rítmico completamente digital y presentó un ritmo de un teclado de Casio MT-40 que revolucionó el género de reggae “dancehall”. Sin embargo, hubo otras producciones digitales como “Sensi Addict” producido por Prince Jazzbo en 1984. El nuevo ritmo se re-utilizó en más de 200 grabaciones posteriores y causó sensación con su canto sintetizado y acompañamiento musical. Nuevos artistas como Buccaneer, Capleton y Shabba Ranks se convirtieron en estrellas ragga en ascenso. Curiosamente, los DJs se centraron más en temas de violencia en su música, incluyendo Beenie Man, Bounty Killer, Mad Cobra y Buju Banton. Los sonidos más duros de DJ en este periodo de tiempo fueron mezclados con vocales dulces que ya habían evolucionado del “reggae roots” y del R&B con artistas como Cocoa Tea, Sanchez y Franke Paul.

“Dancehall” popular

A principios de los años 2000, el “dancehall” se entrelazó fuertemente con la música popular y creció en popularidad en Jamaica, los Estados Unidos y los mercados internacionales. Artistas como Sean Paul trajeron al “dancehall” a una posición número uno en los Billboard Hot 100 con el éxito “Get Busy” en 2003.

El “dancehall” popular es diferente a la música “dancehall” tradicional, ya que cuenta con material comúnmente utilizado en la música popular como coros repetidos, ganchos rítmicos y melodías populares. También ofrece letras menos sexualizadas. Beenie Man, Elephant Man, Vybz Kartel y un montón de otros artistas de “dancehall” recibieron el éxito internacional.

En los años 2010, una revitalización del “dancehall” en los mercados de Estados Unidos y Occidente vio una abundancia de sencillos de “dancehall-pop” como “Work” de Rihanna y “Controlla” y “One Dance” de Drake en el 2016.

“Dancehall” tero

But it also strives to make the unseen and mystical themes of culture from Uruguay and Latin America visible. But it also shows the importance of the self and the adaptable nature of humans in the context of our Latin roots and culture.

El “dancehall” me ha inspirado mucho en mi propio trabajo. He buscado crear un estilo que refleje mis intereses y mezcle ritmos e inspiraciones latinoamericanas. El género de “dancehall” tero que he creado representa estas características latinoamericanas, pero también incluye elementos de “swing” durante los coros. Combina una mezcla entre ritmos folclóricos y ritmos de salsa para crear un ritmo uruguayo único que yo espero que hable sobre la cultura y la música del país y el continente. Entre algunos de los temas y principios del “dancehall” popular, el “dancehall” tero para mí representa una forma de liberación. Pero también se esfuerza por hacer visibles los temas inéditos y místicos de la cultura de Uruguay y América Latina. Pero también muestra la importancia del ser propio y de la naturaleza adaptable de los seres humanos en el contexto de nuestras raíces y cultura latinas.

¡Espero que disfrutes de la música!

2208, 2017

Técnicas de DJ: Consejos para principiantes

La escena de la música electrónica se ha convertido en un elemento esencial en la música del mundo e incluso se ha desbordado hacia la música popular a través de todo el mundo. Esta inclusión en muchos géneros musicales ha expuesto a la música electrónica y naturalmente al arte de ser DJ a las masas. Ahora, el aumento de interés en la escena de la música ha hecho al arte de ser DJ un afición popular, especialmente para la generación milenial y otras generaciones más jóvenes.

Muchas personas quieren expresar su creatividad con nuevos y potentes ritmos electrónicos. Cuando usted está empezando, puede ser difícil obtener dirección ya que está bombardeado con diferentes melodías, frecuencias y géneros de la escena de EDM.

Como un DJ que ha estado experimentando con ritmos durante años, voy a ofrecer algunas técnicas de DJ y consejos que pueden ayudarle a encontrar el ritmo y el tempo adecuado:

Consejo #1: Utilice el EQ apropiado

En su mezcladora de DJ tendrá de tres a cuatro ecualizadores en cada canal. Esta es una de las herramientas más valiosas para DJs profesionales. Si usted es un DJ mezclador o un productor de música, hay dos reglas importantes que debe tener en cuenta al usar el EQ:

Regla 1: A menos que usted esté haciendo ajustes, es útil mantener el EQ a las 12:00 como predeterminado. EQ es mejor a la ganancia de unidad. Estabilice a 0db cuando sea posible.

Regla 2: La técnica de cortar una señal es preferible a impulsarla. El enfoque le permite pensar alrevés. Si su primera inclinación es subir el bajo, primero intente reducir los medios y altos un poco y luego a su vez la ganancia del canal como sea necesario. También puede ser útil utilizar una fuente de “sub-bass” a la vez. Tocar varias pistas a las vez junto con un tempo de “sub-bass” pesado puede crear una mezcla poco clara. Por lo general, tocars así en un sistema de sonido grande es confuso, pero EQ puede ser una gran herramienta. A medida que mezcla pistas juntas, baje el bajo de una para mantener el sonido claro y sucinto. Los “crossfaders” le ayudarán a mezclar las dos pistas o también puede cambiar las líneas de bajo con los botones del EQ para una mejor reacción del público.

Consejo #2: Manténgase fuera de la zona roja

Antes de de tocar su set como DJ, aspire a lograr conseguir la mejor calidad de sonido mediante la comprobación de su señal dentro y fuera de la mesa de mezclas, pero recuerde permanecer fuera de la zona roja. Es una regla bastante básica y sucede de vez en cuando. Pero es clave saber que empujar su botón hacia la zona roja distorsionará su sonido. Esto también tiende a ser muy incómodo para su audiencia. Dado a que la mayoría de los lugares tienen limitadores al final de cada señal, no es necesario que modifique su mezclador para más allá de 0db porque no tendrá un efecto en el volumen de todos modos. Manténgase alerto sobre su volumen a lo largo de su programa, ajustando los niveles y los controles de ecualización.

Consejo #3: No se sobrepase con los efectos

El uso de efectos es una expresión artística, pero los DJs deben recordar mantener los efectos simples. Mientras que muchos utilizan efectos para facilitar las transiciones de una pista a la otra y para mejorar los sonidos y el rendimiento, asegúrese de no confiar en ellos ya que su música puede llegar a sonar superficial y oprimida con efectos frecuentes. Todavía puedes usar efectos para crear tus propios sonidos o ecos, pero conviértete en un experto en los ecualizadores y niveles para así crear interés en tu música.

Consejo #4: Planifique la programación

La programación es una de las partes más esenciales de un “set” de un DJ. Una gran mezcla técnica requiere alma, no sólo vibrato. Sin embargo, muchos DJs se concentran en la emoción de la audiencia y olvidan que el flujo de la música debe ser acordado como si se contara una historia. Los DJs con experiencia entienden cómo montar el tempo para no sobreexcitar al público cual podría causar que el público se canse de una noche de baile rápidamente. El programa necesita incrementar poco a poco hasta el momento adecuado en la noche. Los Djs necesitan analizar a la multitud para el estado de ánimo.

Consejo #5: Crear un tira y hala

El tira y hala es una técnica que muchos DJs grandes utilizan. Se centra en darle a la multitud la energía para bailar, pero el ritmo acelerador sólo se da en momentos estratégicos. Eche un vistazo a maestros como Derrick Carter que son grandes ejemplos de este método. Muchos “sets” de DJ no maximizan sus melodías o vocales hasta después que los clubes están a plena capacidad más tarde en la noche. En su lugar, esperan el momento de “manos en el aire” en la noche. Si se enfoca en algunas personas que otros bailarines están observando, estos pueden ayudarle a establecer el ritmo para el resto de la noche.

Estos principios básicos del desempeño de DJ pueden ayudarle a lograr los próximos pasos en su jornada a refinar sus habilidades. ¡Regrese pronto para más consejos de DJ!

908, 2017

DJs Femeninas de EDM en América del Sur – Parte dos

En un artículo anterior, hablamos sobre artistas femeninos del EDM en América del Sur. Como la espina dorsal de la industria de la música, las artistas femeninas ofrecen gran inspiración y creatividad a la creación de la música electrónica. Sin embargo, las DJs femeninas no reciben suficiente crédito en la industria por sus contribuciones.

Así que continuamos destacando el talento de estas mujeres den la escena de EDM; aprender sobre estos talentos femeninos inspiradores de América del Sur:

DeeJane Hannah

Una DJ prominente en el circuito sudamericano, DeeJane Hannah comenzó su carrera como una artista colombiana lucrativa, interpretando géneros como “vocal house” y “progressive house” a sólo 15 años de edad. Ganó más reconocimiento en el programa de televisión colombiano El Cartel de La Mega en 2011. Más tarde ese año, fue invitada a representar a su país en Guatemala. En el 2013, el lanzamiento de sus dos álbumes “Orgasmic Sessions” y “Elitech” ayudó a destacar su carrera aún más. Este trabajo la llevó a hacer una gira por Ecuador, Panamá y Argentina, compartiendo escenario con el grupo británico Franz Ferdinand. DeeJane Hannah es una adición divertida y emocionante en cualquier escena de DJs.

Daniela Albán

La hechicera ecuatoriana es un elemento popular en la escena musical de EDM. Albán es reconocida a nivel nacional e internacional por su estilo único y fusión de música electrónica como “Deep”, “Techno”, “Dub”, “Minimal” y “House”. Es conocida por sus producciones de alta calidad que contienen una combinación de sonidos psicodélicos y frecuencias bajas, que generalmente ayuda a estimular ambientes de baile conducidos por sus ritmos cerebrales. Comenzó siendo DJ por el lado y ya ha encabezado eventos nacionales y culturales y ha tocado numerosos sets en vivo. Al compartir el escenario con grandes DJ nacionales e internacionales como Bastien y Nick Monaco, Albán ofrece una habilidad increíble en un set de DJ. Ella ha perfeccionado el arte de pellizcar y también juega varios instrumentos incluyendo el bajo, la guitarra, los tambores, el piano y los sintetizadores. Dedicándose a los sonidos underground experimentales e independientes, Albán se inspira en géneros como el hip hop, el jazz, el progresivo y el “lounge” para una experiencia verdaderamente ecléctica.

Magdalena

Como una DJ femenina prominente de Bogotá, Colombia, Magdalena trae vitalidad al arte de la música electrónica. Siendo DJ desde el 2003, Magdalena eventualmente comenzó a producir música también. Con un enfoque centrado en mejorar sus talentos, encontró el sonido que la define como artista. Comenzó su residencia en Cinema, La Sala y fue la primera y única mujer en convertirse en residente del Club Cha Cha. En 2013, se trasladó a Medellín para ganar su nombre y encontrar un lugar legítimo en la industria de la música EDM, mientras que también logró asegurar un lugar en uno de los lugares más importantes de música electrónica en Colombia, el Mansion Club.

Fernanda Martins

Maestra de techno y “hardtechno” en la escena de Schranz, Fernanda Martins es una de las artistas más grandes y versátiles de la escena techno mundial. La artista brasileña ha sido presentada en muchos eventos en su país de origen y en el extranjero. Mostrando una gran aptitud con técnicas de mezcla asombrosas que incluyen: cortes, rasguños y “efx” mezclados con sintetizadores melódicos, texturas industriales o líneas de bajo densas y duras para crear mezclas detalladas y refinadas. Además de su talento, su gran carisma ha impresionado incluso a los mejores DJs internacionales. Martins siempre está encontrando una forma divertida de conectarse con el público a través de canciones llenas de energía y nuevos matices. Desde 2009, Matins ha emprendido la producción musical como una forma de experimentar con los sonidos. Ahora maneja dos sellos discográficos, AudioCode Records con DJ Lukas y Pink About It! Records con Candy Cox.

Estas artistas femeninas increíbles son sólo otro puñado de talento extraordinario en la escena. Con sus talentos y técnicas, la escena musical de EDM ofrece una gama más amplia de cultura y talento. ¿Quiénes son sus artistas favoritos? Vuelva pronto a la tercera parte de nuestra serie sobre DJ femeninas de Sudamérica.

3107, 2017

Artistas experimentales del EDM

La experimentación es un ingrediente clave en las artes creativas. En la música de EDM, experimentar con sonidos sintéticos y de la naturaleza entre diferentes ritmos y compases puede ayudar a presentar diferentes capas de sonidos que son únicos o raros para el oído humano.

Sin embargo, el término experimental se ha convertido en un término tan amplio que abruma a la música. Ya sea que se incorpore como un arreglo dentro de la música popular o se coloque cuidadosamente en el contexto de un género específico, la música experimental refleja algún tipo de ideas sociales o políticas. Artistas latinos como Juan Amenabar o Julián Carrillo son muy conocidos por sus innovaciones experimentales en música microtonal y electroacústica.

Éstos son algunos artistas experimentales de EDM que debe conocer:

Alma Laprida — Argentina

La música argentina, Alma Laprida, se inspira en varios sonidos, pero menciona que su música favorita es el tipo que aún no ha escuchado todavía. Habiendo estudiando música clásica e improvisación, Laprida aporta un sonido distinto con su trasfondo en piano y coro medieval. A menudo improvisa con una tromba marina, un instrumento medieval que es similar a un violonchelo y utiliza cuerdas que suenan similares a una trompeta. Sus grabaciones improvisadas suelen enfatizar este sonido y están acodadas con arreglos vocales ingeniosos. Laprida es un tesoro de la escena experimental sudamericana.

Wilder Gonzales Agreda — Perú

Agreda, un acto provocativo del Perú, se especializa en ofrecer un acceso amplio a los sonidos vanguardistas. Mezcla sofisticadamente composiciones de sintetizadores con muestras e instrumentos fuertes, así manteniéndose fiel a su ética de perseguir algunos de los sonidos más cerebrales y cautivadores del Perú. Habiendo lanzado más de 50 discos en su sello Superspace Records, también organiza un programa de radio que enfatiza la escena musical vanguardista de Perú.

Emiliano Hernández-Santana — Venezuela

Comenzando como artista de video en Venezuela, este artista comenzó a experimentar mientras coleccionaba sintetizadores y empezaba a componer música. Él se jacta de un catálogo dinámico de música que captura “ambient”, “drone” y otras fases experimentales. Componiendo bajo varios alias en sellos discográficos de España, Brasil y México, Emiliano es tan distinto e inventivo que puede requerir unas cuantas sentadas al escuchar su música. Pero los oyentes se enamoran de su trabajo. Corriendo la gama de tonos oscuros a paisajes sonoros, con grabaciones de la naturaleza combinadas con “white noise” o sonidos de interferencia y una pizca de elementos “drone”, el sonido de Emiliano es aquel que capta un sentimiento que rara vez es tocado por otros artistas experimentales de EDM.

Cristian Alvear — Chile

Gaining international recognition as a canonized avant-garde composer and musician, guitarist Cristian Alvear is a perfect foray into experimental music. The classically trained musician tours in North America and Europe, performing a catalog by other notable experimental musicians like John Cage and Alvin Lucier. His ingenuity requires him to perform a masterful set of guitar skills with a extensive knowledge of electronics and sound art. It may be unlike anything you’ve ever heard!

Con un reconocimiento internacional como compositor y músico vanguardista, el guitarrista Cristian Alvear es una perfecta incursión hacia la música experimental. El músico de formación clásica va de gira en América del Norte y Europa, tocando un catálogo de otros destacados músicos experimentales como John Cage y Alvin Lucier. Su ingenio requiere que él realice un conjunto magistral de habilidades en la guitarra con un conocimiento extenso de la electrónica y del arte sano. ¡Puede ser diferente a cualquier cosa que hayas escuchado!
Los artistas experimentales pueden ayudarnos a explorar las sutilezas de la vida y la danza. Considere estudiar a estos artistas inventivos y exploratorios. ¡Puede ayudarle a restablecer, reiniciar y explorar su mente interna (y oído)!